Художественная роспись: история человечества в истории искусства

Под монументальной живописью понимается художественная роспись стен, потолков и любых других стационарных поверхностей. Данный вид живописи отличается исключительной «созвучностью» архитектурных элементов помещения и элементов самой росписи, совокупность которых представляет собой целостностную и гармоничную картину.

Начало: наскальная живопись эпохи палеолита

Появление первых рисунков-росписей было зафиксировано учеными еще в эпоху Верхнего (позднего) палеолита, то есть в тот исторический период, когда Homo Sapiens окончательно приобрел анатомические черты современного человека. 59 тыс. лет. назад этот человек оставил далеким потомкам поразительные примеры своей тяги к искусству и своего таланта: наскальная живопись в пещере Аполло 11 на территории сегодняшней Намибии не может не вызвать восхищения даже у неискушенного зрителя.

 

Семь каменных фрагментов с изображениями бизонов и быков — это семь бессловесных и в то же время весьма красноречивых свидетелей истории становления человека вообще и истории живописи в частности. В них ярко прослеживается стремление не только найти безопасное, удобное жилище, но и обустроить, украсить его, выразить свои впечатления и передать жизненный опыт с помощью искусства. А если у древнего человека в наличии не было ни красок, ни холста, то он с легкостью заменил их стенами собственного дома и обычным куском угля.

Произведения «пещерного искусства», обнаруженные в Намибии, носят отнюдь не единичный характер. 30 тыс. лет назад в пещере Шове (Chauvet) на юге Франции неизвестный художник расписал стены известнякового грота, изобразив множество животных, обитавших в Ледниковом периоде: пещерного льва, тарпана, шерстистого носорога и пр. Удивительный факт, но более чем 300 рисунков в Шове вместе «перекрывают» временной интервал почти в 13 тыс. лет с «паузами» от 2 до 6 тыс. лет. Это означает, что «Grotte Chauvet» 130 веков служил своебразной галереей-выставкой доисторических художников: 130 веков в «пещеру забытых снов», названную так после выхода в свет одноименного документального фильма Вернера Херцога, приходили живописцы и расписывали стены-полотна углем и красной охрой. И если наши предки берегли и сохраняли чьи-то росписи, сделанные, допустим, 10 тыс. лет назад и принадлежавшие руке совершенно незнакомого им мастера, то явно уже тогда они понимали ценность подобных творений и ценность искусства живописи. Весь вопрос только в том, удастся ли будущим поколениям Земли через 13 тыс. лет сохранить подобное уважение и трепетное отношение к полотнам Рембрандта или уличным граффити?

 

Античный мир: о чем «поют» древнеримские пилястры?

Проходили столетия, появлялись и исчезали цивилизации, а искусство росписи развивалось и становилось все более востребованным. Минойские дворцы на острове Крит были украшены уже совсем не «пещерными» рисунками, а полноценными живописными произведениями, исполненными в технике «affresco», прекрасной иллюстрацией чему является фреска «Парижанка» (XV век до н. э).

В Древнем Риме монументальная живопись в сочетании с монументальной скульптурой превратилась в один из основных способов декорирования зданий и сооружений. В Древней Греции художественная роспись стала классикой эллинистической архитектуры и скульптуры, причем роспись наносилась как на извания из золота или слоновой кости, так и на скульптурные творения из мрамора. Труд древнеегипетских мастеров-художников преимущественно использовался при украшении погребальных и храмовых комплексов.

В древнеримской росписи традиционно выделяют четыре характерных стиля: инкрустационный (структурный), архитектурно-перспективный, орнаментальный и комбинированный, сочетающий в себе черты второго и третьего направлений.

«Инкрустационная» роспись потолков и стен (II век до н. э.) имитировала фактуру яшмы либо мрамора, а изображения «накладывались» на поверхность в технике «tessera». В результате художниками Древнего Рима воспроизводилась своего рода мозаичная плитка в форме квадратов и прямоугольников, и мозаика эта была преимущественно «теплых» либо мнохромных цветов и оттенков. Образцы подобной системы декорирования общественных зданий и жилых домов частично сохранились, например, в помпейском доме Саллюстия.

 

Стоит отметить, что представленная картина не является наружной стеной дома, это — стена внутренняя, но декорированная таким образом, что возникает полное ощущение созерцания каменной внешней стороны.

Архитектурно-перспективное направление древнеримской росписи (80-30-е гг. до н. э.) существенно отличалось от предшествующего. Во-первых, здесь абсолютно все архитектурные элементы воссоздавались с помощью монументальной живописи, а не посредством лепки: стены таких помещений были нерельефными и совершенно гладкими. Во-вторых, в общую картину привносилась некая «иллюзорность», поддерживавшаяся живописно нарисованными гирляндами, масками, пилястрами, портиками, колоннами, а также многофигурными композициями с изображением пейзажей либо мифологических сюжетов. Отличной иллюстрацией структурного стиля является помпейская вилла «Боскореале».

 

Роспись интерьера Боскореале создает у зрителя полнейшую иллюзию прогулки по древнеримскому городу, где даже пилястры «поют» о спокойной, богатой и размеренной жизни его обитателей.

Но когда Рим возглавил внучатый племянник Цезаря Октавиан Август, древнеримское искусство стало заметно тяготеть к греческой классике — строгой, выдержанной и «идеальной». Это не было обусловлено естественными тенденциями, сменой художественных или философских пристрастий общества, а скорее намерениями Августа представить время своего правления как «золотой век» — совершенный и лишенный какой бы то нибыло безвкусной помезности. Так появилась древнеримская «орнаментальная» роспись: изобилие утонченных орнаментов в виде подсвечников и канделябров, изящество непринужденных композиционных сюжетов и вынесение на передний план композиции мифологических миниатюр. Все перечисленные составляющие воплотились в интерьере дома Марка Лукреция Фронтона.

 

Четвертый стиль древнеримской росписи отличали склонность к театральности, пышности и художественному «преувеличению». Стены дома, украшенные такими росписями, больше походили на вычурные декорации; фантастическая перспектива композиций словно преодолевала архитектурную замкнутость помещения и двухмерность расписываемых поверхностей. А орнаментальные мотивы по-прежнему занимали «почетное место» в любой настенной «картине». Данное направление прекрасно иллюстрирует роскошная роспись в помпейском Доме Мелеагра.

 

Средние века: европейская витражная роспись и настенные фрески майя

Европейское Средневековье стало порой небывалого прежде расцвета витражной техники. По сути, витраж — это оконное стекло, состоящее не из цельного полотна, а из множества разноцветных стекол, которые в совокупности представляют собой завершенную композицию и настоящее произведение декоративного искусства.

Основное место в эстетической системе ценностей Средневековья занимало понятие Божественной красоты — той, которая в большей степени является человеку незримо, благодаря его внутреннему духовному взору. Потому совсем неудивительно, что витраж превратился в неотъемлемый элемент храмовых архитектурных сооружений.

Сюжетные витражи ведут свою историю с X века, появившись впервые в романских соборах Германии и Франции. Художественная росписьвтаких витражах еще не набрала полную силу, картина «собиралась» из цветных стекол преимущественно синих, зеленых и красных тонов. На стеклянные детали наносилась соответствующего цвета краска, которая закреплялась путем обжига. Изображения или очертания фигур вырезались по контуру и скреплялись свинцовыми «стежками». Зачастую каждый оконный проем церкви заполняла застывшая в неподвижной торжественной позе фигура того или иного святого. Примечательны в этом отношении библейские «Пророки» Собора «Mariendom» в Аугсбурге, созданные в XI веке (пророк Осия, царь Давид и пророк Даниил). Данные витражи созданы в ранней, переходной технике «прозрачной мозаики».

 

На смену романскому стилю в XII веке пришел готический, и именно средневековая готика обогатила витражное мастерство. Расцвет готических витражей обуславливался двуми причинами: возведением конструктивно новых архитектурных храмовых комплексов и соборов, а также расширением цветовой палитры красок. Новый тип архитектурных форм предоставил возможность строительства зданий со смещенным центром тяжести и большими оконными проемами. Эти стрельчатые окна весьма внушительных размеров назывались «розами». А ограниченный набор красок романского периода дополнился желтыми оттенками: теперь стекло могло быть окрашено во все цвета шафрана благодаря применению серебра. Все эти нововведения вместе создавали поистине потрясающую воображение картину: высокие, словно стремящиеся стать ближе к небу, готические соборы в сочетании с огромными цветными витражами в оконных проемах вызывают и сегодня неподдельный трепет и благоговение. Великолепным примером тому служит собор Парижской Богоматери.

 

Постепенно средневековый витраж теряет характерную для него двухмерность, изображения дробятся, создаются все более мелкими и миниатюрными, а техника росписи применяется все чаще и чаще и в конце концов становится во главу угла. Эпоха Ренессанса и вовсе превратила витраж в живопись на стекле. Прекрасной иллюстрацией подобных витражей ялвляется витраж «Воскресение» Паоло Уччелло (Паоло Ди Доно), флорентийского живописца периода раннего Возрождения, созданный в 1445 г.

 

 

В то время, как в средневековой Европе главенствовала витражная техника, в доколумбовых цивилизациях настенная роспись в основном была представлена фресками, то есть живописью, нанесенной на «сырую» основу-грунтовку или штукатурку. Ярким примером служит роспись на стенах бонампаканского храма майя, посвященная победе шукальнахского царя Яхав-Чан-Мувана над властителем Сакци Йет-Киничем и относящаяся приблизительно к концу XIII века.

На данном фрагменте фрески изображена торжественная процессия придворной знати в парадных белоснежных нарядах и обряд по облачению царя в костюм для танцев.

Видимо, по задумке Яхав-Чан-Мувана II роспись стен этого храма, расположенного на фасадной части акрополя, призвана была увековечить решающую победу и его имя, а также «подтвердить» возросшую мощь соединенного царства Аке-Шукальнах.

Надо заметить, что по меркам древних майя храмовое сооружение в Бонампаке было не грандиозным, а скорее рядовым и привычным. Этот комплекс получил всемирную известность именно благодаря тому факту, что он оказался единственным храмом майя, в котором практически неприкосновенными сохранились позднеклассические росписи. Сегодня уже никто из ученых-исследователей не сомневается в том, что у народа майя классического периода традиция росписи внутренних помещений наиболее важных дворцовых зданий и сооружений религиозного предназначения была распространена очень широко. Но вследствие специфического климата и особенностей использовавшихся материалов (росписи выполнялись природными красками растительного и минерального происхождения) остальные примеры художественной росписи майя находятся в гораздо более удручающем состоянии.

Барокко и рококо: от Микеланджело и Рафаэля до Веронезе и Тьеполо

Художественная роспись стен и потолков эпохи Барокко отражает общие тенденции, характерные для европейской живописи XI-XIII вв.: яркость и сочность красок, динамизм композиций, «великосветскость» и неординарность сюжетных линий.

Центр культурной жизни в указанный исторический период все еще находился в Риме, и применительно к итальянским мастерам можно говорить о сочетании «плафонной» монументальной живописи и скульптурных элементов. Говоря простым языком, «плафонная» живопись — это роспись потолков, которые обычно украшались или обрамлялись лепниной. Вначале «потолочные» картины рисовали без учета особенностей их расположения: прелестные арабески, амуры и цветочная канва больше напоминали роскошный ковер, почему-то помещенный на потолок, а не лежащий там, где ему следовало бы быть — а именно на полу. Подобной техники придерживались почти все ранние мастера, в числе которых были Рафаэль Санти и Микеланджело Буонарроти. Замечательным примером «плафонного» произведения является роспись свода Сикстинской капеллы (1508-1512 гг., Ватикан), созданная Микеланджело.

 

Но надо сказать, что еще задолго до признанного творческого гения Рафаэля и Микеланджело были сделаны «живописные» открытия перспективы для «плафонных» полотен. Эти открытия совершили Мелоццо да Форли (Марко дельи Амброджи) и Андреа Мантенья: нарисованные ими фигуры и объекты казались зрителю не «лежачими», а находящимися в вертикальном положении. Такой художественный эффект требовал прорисовки всех элементов композиции в соответствующем ракурсе, и Мантеньи воплотил свою манеру живописи

 

в росписи свода замка Палаццо Дуомо.

Антонио Аллегри (Корреджио) усовершенствовал технику «плафонной» живописи, привнеся в расписываемое пространство имитацию отверстия, сквозь которое видно открытое небо. Эти новшества отлично иллюстрирует плафон Корреджио в куполе Пармского собора.

 

Сегодня невозможно узнать о том, каким исключительным талантом и дарованием должен был представляться Аллегри своим современникам в конце XVI века. Это потом, уже два столетия спустя, Джованни Тьеполо будет создавать удивительные шедевры под названием «декоративная роспись» — настенные фрески и плафоны — роспись, полную глубины и пространства, рельефа и воздушности. Но Тьеполо как феномен в мире живописи возникнет после того, как на технические вопросы декоративно-иллюзионного искусства живописи дадут свои ответы Веронезе, Рубенс, Бонони и, конечно, сам Корреджио. А вот тот факт, что Корреджио в 1520-х гг. владел мастерством росписи виртуознее многих своих последователей XVII и XIII вв., заставляет сомневаться в теории преемственности как таковой.

Похожую оптическую иллюзию так или иначе интерпретировали в своих работах Джулио Романо, Якопо Тинторетто (Робусти), Паоло Веронезе (Кальяри): они оживляли колоссальные плафоны множеством персонажей, разнообразием планов и «дерзкими» сокращениями. Роспись Паоло Веронезе в Sala dell' Olimpo (залы виллы «Олимпа») является прямым тому доказательством и вызывает искренее восхищение.

 

Идейные истоки рококо как стиля в искусстве и как способа оформления интерьера находились во Франции, где «rocaille» зародился в XIII веке и откуда продолжил свое победоносное шествие по всей Европе. А плафоны стали одним из «любимых» видов изобразительного искусства в эпоху «вечной молодости и красоты». Характерными чертами «плафонной» живописи этого периода были: преобладание пасторального жанра и «идеальных» образов моделей-мифологических персонажей, утрата личностного образа как главенствующего смыслового центра картины и утонченная цветовая палитра. А вот витражи практически потеряли свою прежнюю распространенность.

Возвращаясь к творчеству Джованни Батисто Тьеполо, необходимо отметить, что этот живописец и мастер гравюрного дела стал последним видным деятелем венецианской школы и величайшим художником итальянского рококо. Он выработал собственный стиль создания фресок, главным девизом которого стала абсолютная свобода — свобода акцентов и свобода составления композиционного ряда, свобода в выборе палитры и свобода динамизма. Великолепным примером работы Джованни Тьеполо является роспись потолков венецианского дворца Скуола Кармини (около 1740 г.).

 

Художественная роспись: от XIX века и до наших дней

Монументальная живопись, задействовашая в XIX веке ограниченный набор масляных красок и красок на основе клея, постепенно перестает пользоваться популярностью. Правда, в конце XIX-начале XX вв. совершаются попытки привнесения свежей струи в монументальную живопись, а также интеграции разнообразных видов живописи с произведениями декоративно-прикладного искусства и архитектурными элементами в целостностный комплекс (преимущественно в стиле «модерна»). Происходит обновление и усовершенствование технологии росписи интерьеров и появляется техника силикатной живописи.

В этот же период в Европе и США вновь возрождается витражное искусство, но возрождается оно совершенно в ином виде: «плоское» изображение, графичные очертания и локальность окраски — это и есть характерный витраж на рубеже XIX и XX вв.

В XX веке монументальная живопись испытала новый подъем благодаря движению мурализма и деятельности мексиканских художников Х.Ороско, Д. Риверы, Ф. Леаля и Д.Сикейроса. Причем главным источником, откуда мастера-муралисты черпали свое вдохновение, послужила монументальная живопись доколумбовских цивилизаций, находившихся на территории нынешней Мексики: древних народов ацтеков и майя. Так, например, Диего Ривера превратил это вдохновение в фантастически красивую фреску «Markt in Tlatelolco» (2008 г.), возвращающую зрителя во времена расцвета Ацтекской империи и города-государства Тлателолько в долине Мехико.

 

В 70-е гг. XX века появился новый вид росписи интерьеров, названный «суперграфика». Он воссоздавал эффект «исчезновения» художественного пространства композиций в оформлении внутреннего интерьера посредством комбинации броских и контрастных оттенков с геометричными изображениями. Не прерывающиеся кривые — линии и полосы, плавно «перетекающие» с потолка на стены и пол, оптически разбивают стандартное восприятие объектов в формате 3D.